Catégorie : Jean-Sébastien Bach

Yesterday

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La chanson, art majeur ou art mineur II. Du poncif en chanson, 1

Voici donc notre deuxième série sur le thème de l’année : la chanson est-elle un art majeur ou un art mineur ? Tout d’abord, il faudrait s’entendre sur la définition des termes. Sans tomber dans le piège d’une définition a posteriori, construite à dessein pour faire pencher la réponse d’un côté ou de l’autre, évidemment …

Les plus anciennes occurences des expressions « art majeur » et « art mineur » ne sont pas très éclairantes. Elles remontent à une époque où « art » désignait des savoir-faire dont les corporations étaient appelés « arti » dans l’Italie médiévale. Certaines corporations étaient « majeures » telles les fourreurs ou les notaires, d’autres « mineures » comme les serruriers. Alors, un chanteur ressemble-t-il plus à un notaire ou à un serrurier ?

La distinction entre art majeur et art mineur telle qu’on la comprend aujourd’hui remonte plutôt à une autre classification médiévale des arts, entre arts libéraux et arts mécaniques. Les arts libéraux étaient abstraits (musique, astronomie, rhétorique, …), tandis que les arts mécaniques transformaient la matière (peinture, sculpture…) et étaient donc moins nobles. Mais ceci ne nous dit pas si Patrick Topalov vaut autant que Charles Baudelaire.

Plusieurs grands philosophes ont proposé des classifications des arts, tel Kant ou Hegel, mais je n’ai trouvé aucune trace chez les bons auteurs d’une classification binaire aussi simpliste que majeur/mineur. Ce débat est sans doute cantonné aux conversations de bistrots plus ou moins médiatisées, dont vous êtes en train de lire un bon exemple.

Du reste, la question n’a vraiment de sens que dans notre monde désacralisé, où l’Artiste fait l’objet d’une sorte de culte des saints de substitution. Sans ce Panthéon implicite, quel besoin y aurait-il de tracer une frontière garantissant que Jean-Sébastien Bach est d’une nature essentiellement différente de Didier Barbelivien ? À quoi cela servirait-il ? On entend bien la différence entre les deux sans estampille, non ? Mais ce monde désacralisé, c’est le nôtre, alors allons-y.

Pour en savoir plus, je vous propose un point d’entrée, un peu scolaire, ici, et puis l’épisode de l’émission Les chemins de la philosophie, d’Adèle Van Reeth, consacrée au livre d’Agnès Gayraud, Dialectique de la Pop Musique. En réécoute ici.

Pour cette deuxième série, je vais me restreindre à l’exploration d’une constatation toute simple : la méfiance du grand art à l’encontre de la banalité. Le grand écrivain fuit la phrase toute faite, l’idée reçue, la rime facile. Le grand compositeur exècre la ritournelle. Bref, le poncif : voilà la signature certaine de l’art mineur. Or, on le sait bien, la chanson est un art du poncif. On l’a vu dans la première série : dans les paroles, amour rime avec toujours. Et si possible, les yeux sont bleus, les filles belles comme le jour, etc, etc. La mélodie quant à elle se doit d’être assez banale pour être retenue, chantée par tous, voire même pour se faire oublier.

On raconte souvent cette histoire pour attester le génie de Paul Mc Cartney. Il se réveille un matin avec une musique dans la tête, un truc qu’il est sûr d’avoir déjà entendu. Il le chante à tout le monde. Mais non, personne ne connaît, il l’a bien inventé. C’est Yesterday. Son génie n’est pas dans l’originalité de l’invention, mais au contraire dans sa banalité, dans la création de ce que tout le monde croit connaître déjà. De Ravel ou Debussy, on dirait plutôt qu’ils ont composé ce que personne n’avait jamais entendu… L’art de la chanson est donc peut-être mineur, mais son chemin est étroit : comment inventer ce qui n’est pas nouveau ?

Yesterday est peut-être la plus grande chanson de tous les temps : la plus reprise (plus de 3000 reprises répertoriées), la plus diffusée en radio. Il parait qu’à chaque instant sur Terre, il y a au moins une radio quelque part qui diffuse Yesterday. Voir la page wikipedia consacrée à cette chanson, ici.

Je vous propose quelques reprises que j’aime bien. Par Marvin Gaye.

Par Nicotine, un groupe japonais (et non pas le groupe indien de métal).

On passe au bizarre. Au bloc, pendant l’opération de son cerveau, cœur sensible s’abstenir de cliquer. Ici.

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La musique des Tontons flingueurs

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La musique des Tontons flingeurs

Je vous propose aujourd’hui un billet spécial sur la musique du célèbre film Les tontons flingueurs. Elle est toute entière bâtie sur un seul thème : que ce soit après l’un des célèbres bourre-pif, pour un moment triste, une danse endiablée ou un chant d’église, c’est toujours la même musique ré-orchestrée. Un vrai chef d’œuvre dû à Michel Magne, compositeur de la bande originale du film. Il est allé jusqu’à inventer une fausse sonate de Corelli (compositeur bien réel de l’époque baroque) !

Techniquement, le thème fait sol mi ré do, sol mi, ré do, etc (la tonalité change selon les passages dans le film). Toutes les musiques de la vidéo sont bâties sur ce thème, sauf Happy Birthday, et une autre qu’on vous laisse trouver dans la vidéo suivante :

Michel Magne s’est-il inspiré d’une musique existante ? On reconnait le motif des premières notes dans la loure de la suite française numéro 5 en sol majeur de Jean-Sébastien Bach, BWV 816 – (VII) Loure

La musique (surtout lorsqu’elle est arrangée en jazz) rappelle aussi un peu Freddie Freeloader de Miles Davis.

Mais le plus probable reste que Michel Magne a dû inventer le thème, puis s’inspirer de maîtres pour les différents arrangements. Miles Davis donc, et peut-être le Concerto pour deux violons de Bach pour les arrangements baroques de la fausse sonate de Corelli !

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Coming out

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L’homosexualité en chanson 2/15
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En 2011, les Fatals Picards sortent la chanson Coming out.

Notez la référence à Comme ils disent dans les paroles : chanson de Charles Aznavour sur l’homosexualité dont on reparle bientôt. À noter aussi la présence du chanteur Dave dans la vidéo : il joue le rôle du père qui le lit journal titrant « un groupe de rap accusé d’homophobie ». Je vous propose une chanson de Dave, qui évoque discrètement l’homosexualité, sur des paroles de Patrick Loiseau, parolier et compagnon de Dave. Du côté de chez Swann.

Sinon, je sens mes lecteurs frémir… J’écris un billet appelé coming out, dans une série sur l’homosexualité. D’autant que depuis le début du blog, je me suis livré à divers coming out :

  • oui, j’aime Questions Pour Un Champion (ici),
  • oui j’ai découvert Bach dans un livre de maths pour geek (ici),
  • et oui je suis fan de Michel Sardou (ici).

Mais non, désolé, pas de coming out dans cette série.

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Claude Nougaro n’est pas le plus grand bluesman français

~ jardinauxchansonsquibifurquent ~ 13 commentaires

Qui est le plus grand bluesman français ? 1/8
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Nous démarrons un jeu de piste pour Noël, en quête d’un mythe de la chanson française. Elle n’en manque pas, le Jardin aux chansons qui bifurquent en a déjà abordé quelques-uns. Comme le Gitan (voir ici) : libre et farouche. Puisse sa liberté libérer notre chanson. Et puisse notre chanson nous faire gagner l’amitié si précieuse et redoutable du manouche.

Ou encore Verlaine (voir ici). On glisse son nom dans des paroles plus que celui d’aucun autre poète. On implore sa légèreté, on la supplie de dissoudre dans l’air notre chanson grise… Ça marche des fois. On a abordé des mythes d’importance moindre comme Jean-Sébastien Bach (ici), la « société » (ici), ou les scientifiques (ici).

D’accord, tout ceci est bien mythique. Mais quel style de musique est mythique ? Le menuet ? Non, Johnny Hallyday n’a pas écrit « toute la musique que j’aime, elle vient de là, elle vient du menuet ». La sonate ? Non, dans Starmania, il n’y a pas de Sonate du businessman. L’oratorio ? Non, Michel Jonasz n’a pas écrit « Enfant noir, femme de Toulouse, tous ceux qui chantent I was born to loose, on est des joueurs d’oratorio ». La fugue ? Non, Henri Salvador et Boris Vian n’ont pas écrit une Fugue du dentiste. L’opéra ? Non, Eddy Mitchell n’a pas chanté le Lèche-bottes opéra.

Vous l’avez compris, ce genre mythique, c’est bien sûr le blues. Un seul autre style peut lui être comparé (comme grand mythe de la chanson française s’entend) : la java.

Le blues et la java : je pense que ce sont les deux styles musicaux les plus souvent cités dans les paroles de chansons, voire même dans les titres de chansons… Deux pôles opposées. La java, c’est une référence purement nationale, une sorte de camembert originel franchouillard, à la fois paradis perdu et destination fatale d’un perpétuel retour aux sources. On parlera de java une autre fois, car là, on s’intéresse au blues.

Le blues est pour la chanson française un élément à la fois étranger, amical, authentique et pur, un art mineur qui ensemence un autre art mineur (la chanson française) pour le magnifier. Écoutez, c’est dit presque explicitement dans la chanson d’aujourd’hui. Claude Nougaro, Bleu, blanc, blues.

Mais je vous avais promis un jeu de piste, et je ne fais que parler… Le voilà : on cherche le plus grand bluesman français. C’est qui ?

Monsieur Nougaro, ce n’est pas vous, parce que Bleu, blanc, blues, ce n’est pas du blues, tout simplement. Sinon vous seriez sûrement le plus grand bluesman français. Sinon, voilà du blues. Big Bill Broonzy, In the evening (when the sun goes down).

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Gödel, Escher et Bach

~ jardinauxchansonsquibifurquent ~ 8 commentaires

La chanson geek 5/5
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Dans ce dernier billet sur les geeks, je vous propose de reparler du compositeur classique préféré des geeks : Jean-Sébastien Bach. Allez découvrir sur YouTube le nombre impressionnant de vidéos de musiques de Bach sur des images plus ou moins scientifiques.

Outre la complexité combinatoire de sa musique, la popularité de Bach chez les geeks provient d’un best-seller paru en France en 1985, Gödel, Escher, Bach : Les Brins d’une Guirlande Éternelle de Douglas Hofstadter. Ce livre rapproche les structures autoréfentielles apparaissant dans la preuve du théorème de Gödel, la musique de Bach et les dessins de M.C. Escher. Sont oubliées les boites de Vache qui rit, qui contiennent le dessin d’une boite de Vache qui rit, et ainsi de suite à l’infini (c’est ça l’autoréférence, que nos amis littéraires appellent pompeusement mise en abyme, expression honnie du geek et du consommateur de Vache qui rit).

vacheQuiRit

Le théorème de Gödel affirme que pour tout système formel de preuves suffisamment riche, il existe un énoncé vrai et pourtant non prouvable. La démonstration repose sur une manière astucieuse d’écrire dans le système considéré un énoncé un peu similaire à « cet énoncé est faux », qui, si on arrive à le prouver fait s’écrouler tout le système (parce qui si il est vrai, alors il est faux, donc il est vrai, etc). Cette phrase qui parle d’elle-même (autoréférentielle donc) est comparée à une musique de Bach où des suites de modulations nous font quitter la tonalité de départ pour finalement y revenir, ce qui crée une sorte de boucle infini. Le procédé est assez anecdotique, mais il est utilisé dans le Canon perpetuel, un passage de l’Offrande Musicale, œuvre magistrale écrite à la fin de la vie de Bach, une sorte de testament.

La comparaison est un peu exagérée peut-être, son plus grand mérite étant probablement d’avoir fait connaître Bach à un public qui ne s’y serait pas intéressé sans ça. Je me demande combien de geeks ont écouté l’Offrande Musicale à cause du livre de Hofstadter (mon coming out : j’en fais partie).

On a déjà vu un extrait de l’Offrande Musicale dans la série sur l’OuChanPo, ici.
Je vous propose aujourd’hui le Ricercare à 6 voix. Il s’agit d’un sommet dans l’art du contrepoint : six lignes mélodiques indépendantes démarrent les unes après les autres et vivent en parfaite harmonie. Il paraît que composer de telles pièces est un véritable casse-tête. La partition n’indique pas d’orchestration. J’ai choisi ce que je préfère, le clavecin seul, instrument sec, peu timbré et qui laisse bien les voix indépendantes, ce qui permet de les suivre sans se laisser perturber par le sentiment et toutes ces bêtises, comme un bon geek quoi. Vous noterez les images scientifiques sur la vidéo (la grande galaxie d’Andromède, le fameux champ profond de Hubble et deux galaxies non identifiées). Robert Hill, Ricercare à 6 voix.

Je vous propose aussi une vidéo permettant de visualiser les différentes voix.

 

Et puis le Canon perpetuel, avec quelques explications solfégiques dans la vidéo.

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Dave fan de Bach

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Paralipomènes 7/67
(la série qui revient en 68 billets sur les 44 premiers thèmes du blog)
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Sur Facebook, Daniel Maillot, internaute de Lyon, me signale le tube planétaire A whiter shade of pale du groupe Procol Harum. Selon wikipedia, la musique s’inspire de deux pièces de Jean-Sébastien Bach, la Sinfonia en fa majeur de la cantate Ich steh mit einem Fuß im Grabe (BWV 156) et la Suite pour orchestre no 3 en ré majeur (BWV 1068). Merci !

 

Sur le site coverinfo.de, on apprend que le chanteur francophone qui a le plus chanté de chansons sur des musiques de Bach est Dave. Voici une liste de ses chansons inspirées de Bach : L’amant d’un seul soir, Ma terre dolorossa et Marie mon rêve. Ça n’en fait que trois me direz-vous, mais essayez de trouver mieux ! Je vous passe L’amant d’un seul soir. Je vous laisse à vos réflexions sur l’intérêt d’utiliser des musiques de Bach pour de la chanson de variété (et puis on change de sujet à partir de demain).

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American Tune

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Paralipomènes 6/67
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Toujours sur une musique de Bach, il y a aussi American Tune de Paul Simon qui ressemble fortement au Choral de la Passion selon saint Matthieu, Bach BWV 244-63 O Haupt voll Blut und Wunden. Écoutez plutôt.

Paul Simon :

Bach:

Vous vous demandez peut-être où je vais chercher tout ça… J’ai péché l’info sur un site incroyable qui recense toutes sortes de reprises et d’emprunts, en particulier à la musique classique : coverinfo.de

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Fuir le bonheur

~ jardinauxchansonsquibifurquent ~ 7 commentaires

Paralipomènes 5/67
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Pour continuer un peu avec Bach, je vous propose Fuir le bonheur de peur qu’il ne se sauve, une chanson de Serge Gainsbourg, sur une musique ressemblant fortement au 1er prélude en do majeur de Bach qu’on a passé au début de la série sur Bach (ici). Chantée par Jane Birkin.

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Petite fugue, grands malentendus

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Paralipomènes 4/67
(la série qui revient en 68 billets sur les 44 premiers thèmes du blog)
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Le troisième thème abordé par le Jardin était la place de Jean-Sébastien Bach dans la chanson, ou disons dans la musique populaire. On notait les similitudes entre la musique de Bach et les solos du guitariste de hard rock Eddie Van Halen (ici). Et j’avais posé une devinette : quelle chanson française cite nommément Van Halen ? Personne n’a trouvé, et je n’ai pas encore donné la solution ! Je ne vous donne pas la réponse tout de suite, il vous reste quelques jours pour trouver, réponse le 11 juillet prochain, restez en ligne.

Pour revenir à Bach, le billet consacré à La petite fugue de Maxime Le Forestier a donné lieu à quelques malentendus dans des discussions ultérieures sur Facebook. Quand j’ai évoqué la « froideur » de la musique de Bach, ça n’était pas du tout mon jugement sur sa musique, je m’en serais bien gardé. C’était plutôt le constat d’une opinion implicitement partagée faisant partie d’un « mythe Bach » assez répandu.

Et la musique qui sert de support à la chanson de Maxime Le Forestier, c’est
Prélude et fugue N° 11 en F Maj BWV 856 (merci à Marie sur Facebook pour l’info). Ça n’est pas si évident, mais effectivement, le prélude ressemble à la chanson de Le Forestier. Ici joué par Sviatoslav Richter.

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Le silence pendant Mozart, il est très bien aussi

~ jardinauxchansonsquibifurquent ~ 8 commentaires

Le silence en chanson 6/8
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L’une des citations les plus rabâchées à propos de la musique est probablement : « Lorsqu’on vient d’entendre un morceau de Mozart, le silence qui lui succède est encore de lui. » C’est de Sacha Guitry. Le propos est discutable : Mozart a beaucoup souffert pour apprendre le contrepoint, s’inspirant sans relâche des maîtres du genre (voir par exemple ici). On pourrait donc dire que dans certains cas, le silence qui suit Mozart est peut-être de Bach ? Ou alors de John Cage ? D’Alphonse Allais ?

Qu’en est-il du silence pendant Mozart ? Écoutons l’ouverture de Don Giovanni. L’opéra débute par deux accords scandés par tout l’orchestre, chacun suivi d’un silence, qui apparaît dans sa vertigineuse verticalité sur la partition, une vraie merveille.

 

Il est intéressant de voir comment les chefs d’orchestre traitent ces deux silences. D’abord Theodor Currentzis. Je trouve que ça « presse » un peu. C’est le choix assumé et souverain du chef, qui confère un petit rien de fébrile à ce départ.

 

À comparer avec James Levine. Les silences plus longs et plus habités. J’aime bien son petit geste pour faire taire l’orchestre.

 

En bonus, une longue vidéo sur l’enregistrement de Don Giovanni par Theodor Currentzis et l’orchestre de l’Opéra de Perm. On parlait de contrepoint au début du post, il y en a un que j’aime beaucoup vers 1:25 : les trois voix graves de Don Giovanni, de Leporello et du Commandeur s’entremêlent.

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